Wenn man dem Gerücht Glauben schenkt, dass ein Bild tausend Worte wert ist, möchte Thibaut Grevet, dass seine Bilder für sich sprechen. Jedes birgt sein eigenes Universum, das zwischen unserer gelebten Realität und einem etwas erhabeneren Ort treibt. Lang belichtete Körper stürzen in enge Bänder; Blicke auf eng zugeschnittene Gesichter schneiden durch Felder aus Körnern, während andere sich sanft in sich selbst auflösen. Indem er den Rahmen entgleiten lässt, macht er paradoxerweise präzise das Gefühl des Lebens in einem Moment, statt ihn einfach zu beobachten.
In der französischen Provinz geboren und nun in Paris ansässig, kam der Regie- und Fotografie-Interessierte sozusagen auf eigene Faust zur Kamera, wobei Instinkt und reines Interesse seine Lehrer waren. Als Kind nahm er die Familien-VHS in die Hand, um Motocross-Fahrten und Skate-Clips zu drehen. Im College begann er Grafikdesign zu studieren, wo er vom Anordnen von Bildern zum Erschaffen eigener Bilder wechselte. Jetzt ist er eine feste Größe in Editorials — doch wie er mir erzählt, gehörte all dies nie zu seinem „Plan“.
Es gibt etwas Zeitloses an der Art, wie Grevet seine Subjekte einfängt, egal ob er an einer Titelseite, einem Musikvideo, einer Kampagne oder einem persönlichen Projekt arbeitet, wie Blurred. Seine Kundenliste ist lang — reicht von BMX-Fahrern und Mercedes-Benz-Fahrern, den Schwergewichten des Rap, Streetwear-Labelsn und Luxushäusern — und selbst wenn er in dieser Hochglanzwelt aufgeblüht ist, lässt er nicht zu, dass die Größe seiner Projekte seine Vision belastet.
Der Anruf der New York City Ballet kam zur „perfekten Zeit“ in seiner Karriere. Grevet wurde eingeladen, an ihrer jährlichen Art Series teilzunehmen und eine Suite von Arbeiten mit dem Ensemble zu schaffen, die in Ballet, seinem zweiten Fotobuch, das nächsten Monat erscheint, veröffentlicht wird. Obwohl er zuvor nie mit Balletttänzern gearbeitet hatte, erschien ihm die Gelegenheit als eine natürliche Verbindung zwischen seiner künstlerischen Vergangenheit und Gegenwart: Körperlichkeit und rohes Athletentum treffen auf kontrollierte Komposition.
Am Lincoln Center schwoll der Applaus für Grevet an, als er in dieses neue theatralische Spotlight trat. Vor einer der besonderen Aufführungen der Art Series wurde er aufgefordert, vor dem ausverkauften Saal zu verbeugen. Selbst mit einem vierstöckigen Solo direkt hinter den Türen blieb er bescheiden auf seinem Platz. So bewahrt er eine geheimnisvolle Aura um den Künstler, während die Fotos sprechen.
In diesem Durch das Objektiv-Beitrag sprach Hypeart mit Grevet, um mehr über seine Praxis, seinen ersten Ausflug in die Welt des Tanzes und die Codes — oder deren Fehlen — hinter dem perfekten Shot zu erfahren.
„Es kommt wirklich auf Neugier an — Dinge auszuprobieren und dabei ein wenig naiv zu sein.“
Kannst du deine künstlerische Prägung beschreiben? Ich habe gehört, du hast Grafikdesign studiert, was dich zur Fotografie geführt hat?
Es ist romantisch, so zu sagen, denn ich wusste nach der Schule nicht, was ich tun wollte. Ich habe nicht Fotografie oder Film oder Mode studiert. Ich habe mit Freunden fotografiert, aber es war nur zum Spaß und zum Lernen.
Ich landete an einer Schule, die ein Grafikdesign-Programm hatte, und ich verliebte mich in das Layouten. Später war ich Design-Praktikant bei einer Zeitschrift, wo mir mehr Videos und Fotos begegneten. Alles kam letztendlich wieder zusammen.
Ich behaupte nicht, dass ich alles fotografische Wissen besitze. Für mich kommt es wirklich auf Neugier an — Dinge auszuprobieren und dabei ein wenig naiv zu bleiben. Ich lerne immer noch viel.
Wohin hat dich deine Neugier noch geführt?
Einmal am Set hatte ich Schwierigkeiten, meine Vision zu erklären, also lernte ich 3D. Es ist nichts Verrücktes, aber jetzt kann ich besser mit dem Set-Designer kommunizieren. Dasselbe gilt für Sprachen; ich habe Englisch gelernt, indem ich After-Effects- und Premiere-Tutorials angeschaut habe.
Wie bist du in die Modewelt eingestiegen?
Vans war die erste Marke, mit der ich gearbeitet habe. Sie machen Surfen, Skateboarden und BMX, und ich fühlte mich damit verbunden, weil ich mit all diesen Sportarten aufgewachsen bin.
Wie balancierst du kommerzielle und persönliche Arbeit?
Heutzutage ist es eher akzeptiert, künstlerischer zu arbeiten und kommerzielle Arbeit zu machen, aber früher war das nicht so. Wenn du Werbefilmregisseur bist, würdest du keinen Spielfilm inszenieren, aber diese Linie wird immer verschwommener.
Das hatte ich nie erwartet, also kann ich mit dem Fluss gehen. Ich erinnere mich, wie ich früher Billy Elliot sah, und jetzt, zwanzig Jahre später, habe ich eine Ausstellung beim New York City Ballet. Vielleicht gibt es eine unsichtbare Energie, die dich dorthin treibt. Ballett ist natürlich völlig außerhalb der Welt des Skateboardings. Es ist völlig anders.
„Wenn ein Athlet riskiert, einen Trick zu vollführen, darf man den Wurf nicht verpassen.“
Ob du nun BMX-Fahrer oder Ballerinas fotografierst, wie timst du den perfekten Shot?
Jede Sportart hat Regeln, wie man sie einfängt, also war es eine Herausforderung, meine Vision in das Ballett einzubringen und dennoch die Codes dahinter zu respektieren. Es geht auch um Übung und darum, die Fertigkeit zu haben, im richtigen Moment zu klicken. Wenn ein Athlet riskant einen Trick ausführt, darf man den Shot nicht verpassen. Es gibt keinen Benutzerleitfaden, aber man bekommt dieses Gefühl, dass man etwas einfangen muss. Aus eigener Erfahrung habe ich das gelernt.
Hast du eigene Regeln oder Codes in deiner Praxis? Rituale oder Routinen?
Ich habe nicht wirklich eine Routine, ich lasse das Unerwartete geschehen. Aber in dieser Phase meiner Karriere, besonders beim Film, muss man alles, was man will, vorwegsehen: Hintergrund, wen man fotografieren will, wie sie sich kleiden. Wenn ich zum Set gehe, versuche ich so gut wie möglich vorbereitet zu sein, und ein Teil von mir arbeitet auch nach Gefühl. Beim Ballett planten wir einen Multi-Cam-Effekt, eine Black-Box und synchronisierte Blitze. Aber die Nahaufnahmen und die Haltung der Tänzerinnen und Tänzer kamen aus dem Moment.
Wie kam deine New York Ballet Art Series zustande?
Die Balletttänzerinnen und -tänzer baten mich, die neue Saison zu fotografieren, dann kam direkt die Art Series. Wir drehten das ganze Projekt im Februar 2024. Es war ziemlich besonders, das gesamte Team war großartig.
Ich begann in dieser Branche mit Skate-Videos, reiste mit einem Rucksack umher, und tauchte dann tiefer in die Modewelt ein. Das Ballett verbindet diese beiden Welten; es ist ein Sport, aber so nah an der Modewelt, wegen der Art, wie sie sich kleiden, sich verhalten, posieren, doch es gibt immer noch eine Authentizität.
Du bewegst dich als Fotograf instinktiv, was sich auf eine breite Palette von Subjekten übertragen lässt. Gab es etwas, das dich am Ballett überrascht hat?
Was an Tänzern erstaunlich ist, ist die Art, wie sie ihren Körper nutzen, um die besten fotografischen Aspekte zu erreichen — Finger, Hände oder Schultern positionieren, genau spüren, wie viel Spannung im Bein nötig ist. Sie verstehen, wie der Körper durch die Augen des Publikums reagiert, und dasselbe gilt auch für die Kamera.
Das Ballett lässt sich stark von menschlichem Verhalten inspirieren, was das Fotografieren leichter macht. Ich ließ mich von Gjon Mili inspirieren, der verstand, wie man Bewegungen schafft und zerlegt, alles, was dazwischen passiert, was der Schlüssel zum Tanz ist.
„Wenn du das machst, was ich tue, brauchst du Menschen, die deine Familie, deine Freunde oder deine Mitstreiter sein können.“
Kannst du mir mehr über „We Exist In Time“ erzählen, den Film, den du für die Serie geschaffen hast?
Die Kampagne heißt „Performance“, also habe ich beim Schreiben des Films dieses Konzept in Schichten gegliedert. Die Ruhe am Anfang spiegelt den Moment der Vorbereitung in jeder Sportart wider. Die Stop-Motion steht für Übung und Wiederholung. Jeder erinnert sich an die Sequenz, denn während wir sie drehten, rief ich: „Und los. Und los.“ alle Sekunde. Danach gibt es einen Moment, in dem man den Atem anhält und sich auf den großen Sprung vorbereitet, sodass ich zum Schluss einen Multi-Cam-Effekt nutzte, um mehr in einem einzelnen Shot abzudecken.
Der Film ist eine Metapher für Performance. Es hat fast neun Monate gedauert, ihn zu schneiden, aber es war wirklich etwas Besonderes, und ich bin super stolz. Es ist die Art von Projekt, die sich im Leben nicht oft ergibt.
Indem du Verbindungen zwischen Sport, Kunst und Performance ziehst, macht die Serie das Ballett für Nicht-Tänzer greifbarer. Deine Arbeit in Musik und Kunst hat dazu beigetragen, viele Besucher anzuziehen, die man bei der Ballettaufführung nicht erwarten würde.
Genau. Sogar einige der eingeladenen Personen waren noch nie beim Ballett in New York. Die Programmgestaltung ist wirklich klug, weil sie ein jüngeres Publikum anzieht.
Wer sind einige bedeutende Persönlichkeiten auf deinem Weg als Künstler?
Wenn du das machst, was ich tue, brauchst du Menschen, die deine Familie, deine Freunde oder deine Mitstreiter sein können. Ich arbeite viel mit dem Kameramann Joao De Botelho und dem Lichtregisseur Pierre Nowak. Die beiden waren sieben Jahre lang bei mir.
Ich habe heute eine gute Menge Arbeit, und die Leute lieben, was ich tue, aber nichts fühlt sich festgelegt an. Es kann einsam sein, sich seiner Arbeit, seinem eigenen Job zu stellen. Der Grund, warum ich hier bin, ist wegen der Menschen, denen ich vertraue.
Wie meisterst du diese Schwierigkeiten?
Ich bin oft in Paris, aber ich fahre so oft wie möglich aufs Land. Dort habe ich Freunde, die nichts mit dieser Branche zu tun haben. Meine Nachbarn kommen vorbei und zeigen mir, wie man Pilze aus dem Wald sammelt und isst. Die Menschen dort führen ein einfacheres Leben. Es ist geerdet, und das ist für mich wichtig.
„Das Einzige, das mir jetzt wirklich wichtig ist, ist, etwas Zeitloses zu schaffen.“
Was wäre ein Traumort, um deine Arbeiten zu zeigen?
Ein Museum.
Über deine jüngsten Kampagnen hinaus, gibt es noch andere persönliche Projekte, an denen du arbeitest?
Es gibt noch so viel, was ich gerne tun würde. Mein größter Wunsch ist es, einen Raum zu schaffen, vielleicht ein Atelier, in dem ich Künstler zusammenbringen kann. Ich arbeite an Konzepten für ein Buch mit dem Titel Far. Außerdem wollte ich schon immer einen Spielfilm machen. Ob ich das wirklich tue, weiß ich nicht, aber es schwebt schon lange in meinem Kopf.
Was war der verrückteste Ort, an dem deine Karriere dich hingeführt hat?
Es ist schwer zu sagen, ich bin ja noch mittendrin. Wenn ich allein oder mit einem Freund filme, liebe ich es genauso wie bei einer großen Produktion. Jetzt, da ich diese Ausstellung gemacht habe und an verrückten Projekten gearbeitet habe, ist das Einzige, was mir jetzt wichtig ist, etwas Zeitloses zu schaffen.
Alle Fotos courtesy of Thibaut Grevet und Division for Hypeart. Installationsaufnahmen von Andy Romer für den New York City Ballet.
