Kaufe das Slawn-Cover der Hypebeast Magazine Nr. 37: The Architects Issue.
Ed Worley, besser bekannt als Opake, sitzt auf einer Couch im Studio, während das scharfe Zischen einer Sprühdose durch den Raum hallt. Wir sprechen über das neue Cover von Hypebeast Magazine #37. Slawn machte von Anfang an klar, dass er es nur machen würde, wenn Opake am Prozess beteiligt wäre. Es war eine Entscheidung, die rein aus Bruderliebe entstand. Für Slawn gab es keine Version dieses Covers, die nicht den Mann zeigte, den er seinen Zwillingsbruder nennt.
Opake begann mit dem Graffiti-Schreiben im Alter von 13 Jahren, doch sein Leben wurde zu einem Jahrzehnt langen Rausch aus schwerer Sucht. Er verbrachte acht Jahre auf der Straße, war von Drogen dominiert, und gestand, bis zu seinem 30. Lebensjahr arbeitsunfähig gewesen zu sein, bis er Vater wurde. Diese Verantwortung veränderte alles. Er begann, in 19-Stunden-Tagen im Studio zu arbeiten, weil Malen das einzige Werkzeug war, das ihm zum Überleben blieb. In den engen, symmetrischen Linien fand er einen meditativen Zustand, der es ihm ermöglichte, seine ADHS zu kontrollieren und zum ersten Mal in seinem Leben präsent zu bleiben.
Opakes Einstieg in die Londoner Szene begann wirklich mit einem Besuch in Slawns Studio. Er brachte ein Gemälde als Geschenk mit, doch die beiden unterhielten sich stundenlang über das Leben und darüber, dass sie beide nüchtern waren. Dieses eine Treffen verwandelte sich in eine tägliche Routine. Nun boxen sie jeden Morgen auf dem Dach eines Bricks Lane-Hauses, und die Kunst ist nur ein Nebenprodukt dieser Freundschaft.
Damals basierte Opakes Arbeit auf dem, was er die Theorie des Wahnsinns nennt: dieselbe Bildmarke wiederholt, während man nach einem anderen Ergebnis sucht. Er verwendete Figuren wie Mickey Mouse und Elmer Fudd, weil er wollte, dass die Arbeit etwas ist, das sein Sohn oder seine Großmutter verstehen können. Sein Stil war ursprünglich von engen, symmetrischen Linien geprägt, aber Slawn drängte ihn schließlich dazu, den Perfektionismus aufzugeben und eine Nadelkappe zu verwenden. Es ist ein chaotisches, unvorhersehbares Werkzeug, das Opake zwang, sich von seiner üblichen Disziplin zu lösen.
Man sieht diese Veränderung in seinem 2024er-Cover von The Big Issue. Er hat das Cover neu gestaltet und die Seiten genutzt, um über seine eigene Geschichte mit Obdachlosigkeit zu sprechen und dieselbe Zeitschrift, mit der er einst überleben konnte, in eine persönliche Leinwand verwandelt. Als er schließlich 2025 zur Miami Art Week kam, zeigte er „Heroes, Villains & Violence“ in Wynwood. Er mischte von Hand gemalte Boxhandschuhe mit gigantischen Porträts von Iron Man und Schneewittchen, nutzte diese Kindheitsikonen, um seinen eigenen Kampf mit der Genesung abzubilden. Es zeigte, dass er seinen mentalen Fokus behalten konnte, während die eigentliche Malerei viel chaotischer wurde.
Nun verschieben sich die Einsätze erneut. Wir sprechen von der bevorstehenden SAI Gallery-Ausstellung in Shibuya, bei der sie den Raum übernehmen werden mit 500 handbemalten Skateboards, einer Quarter Pipe und einem Auto, das sie zerschmettern wollen. Es ist eine groß angelegte Invasion der Tokyo-Szene in Zusammenarbeit mit Beams, einschließlich eines Fotobuchs, das die gesamte Reise dokumentiert — ein natürlicher nächster Schritt nach dem Hypebeast-Cover, bei dem klare Linien auf das Chaos der Nadelkappe treffen. Hypebeast setzte sich mit Opake zusammen, um über seine Brüderlichkeit mit Slawn, die Realität seiner Genesung und warum er immer noch 100 Meilen pro Woche laufen muss, zu sprechen, um den Lärm fernzuhalten.
„[Slawn] war die Person, die mir geholfen hat, das Risiko einzugehen.“ – Opake
Hypebeast: Erzähl mir etwas über deinen kreativen Hintergrund, deine Künstlerreise und wie du dorthin gekommen bist, wo du jetzt bist.
Opake: Ich begann etwa im Alter von 13 Jahren mit Graffiti zu schreiben. Ich bin fest davon überzeugt, dass ich als Süchtiger geboren wurde, und wenn ich Dinge finde, die mir gefallen, dann bin ich besessen davon. Graffiti fand ich in so jungem Alter und wollte nichts anderes tun. Zum Glück kam ich auf eine wirklich gute Schule im Vereinigten Königreich mit einer großartigen Kunstabteilung. Doch dann war es von etwa 16 bis 30 nur ein chaotisches Durcheinander aus schwerem Drogenkonsum. Ich landete acht Jahre lang immer wieder obdachlos, rauchte jeden Tag Crack, etwa zehn Jahre lang. Eines, das ich zu bewahren versuchte, war Malen, aber es brach ab, weil meine psychische Gesundheit so schlecht war. Als ich 30 wurde, traf ich meine Partnerin. Sie hatte ein einjähriges Kind, und ich trat sozusagen in die Vaterrolle dieses Kindes. Ich wollte ein anständiger Vater sein, und ich brauchte diese Verantwortung. Ich hatte nichts, worauf ich mich verlassen konnte; ich war arbeitslos. Das Einzige, was ich zu tun wusste, war Malen und Zeichnen. Ich stürzte mich mit derselben Entschlossenheit hinein, mit der ich auch meinen Rückfall in die Abhängigkeit verfolgt hatte – 18, 19 Stunden in meinem Studio nur Malen. Es entstand aus Verzweiflung.
Kunst kann eine Form der Therapie sein. Würdest du sagen, dass sie dein Leben gerettet hat?
100%. Ohne sie wäre ich gestorben. Als ich clean wurde, war Meditation ein großer Bestandteil der Genesung. Ich habe eine starke ADHS, daher ist es schwer, still zu sitzen. Aber mit der Arbeit, für die ich bekannt wurde — enge Linienführung, das Streben nach Perfektion, symmetrische Bilder — kam ich in einen meditativen Zustand. Ich wäre absolut präsent gewesen. Mein Problem mit meiner Sucht war, dass ich niemals wirklich präsent sein konnte, ich versuchte immer zu entkommen. Der Prozess war wichtiger als das Ergebnis, weil er mir half, mich zu bessern. Dann traf ich Slawn. Wir wurden eng, und er brachte die Idee voran, den Stil aufzulockern. [Slawn] war die Person, die mir ermöglichte, das Risiko einzugehen. Ich war so festgelegt in meinen Gewohnheiten von „das ist, wofür ich bekannt bin.“ Er ist wie mein Zwillingsbruder; ich respektiere ihn so sehr. Ich brauchte jemanden von diesem Kaliber, der mir sagte, dass ich es schaffen könnte.
Wie habt ihr euch getroffen?
Ich wurde zu seinem Studio eingeladen. Ich brachte ihm ein Gemälde als Geschenk mit. Wir setzten uns hin und redeten drei Stunden lang über allerlei Scheiß. Er realisierte, dass ich fast neun Jahre nüchtern war und dass ich boxe. Wir bauten eine Beziehung auf positiver Sache auf — jeden Morgen boxen wir auf dem Dach seines Hauses in Brick Lane. Die Kunst, die wir zusammen schaffen, ist nur ein Nebenprodukt unserer Freundschaft.
Ihr verwendet beide Cartoon-Figuren. Worin unterscheiden sich deine Referenzpunkte von denen von ihm?
Meine Arbeit basiert auf Einsteins Theorie des Wahnsinns — dieselbe Aktion immer wieder zu wiederholen und ein anderes Ergebnis zu erwarten. So lebt ein Drogensüchtiger. Ich nehme Cartoon-Figuren und wiederhole dasselbe Bild immer wieder, aber schaffe ein anderes Ergebnis. Als ich obdachlos war, fühlte ich mich unglaublich einsam und außerhalb der Gesellschaft. Ich wollte, dass meine Kunst für jeden zugänglich ist — mein zweijähriges Kind muss sie verstehen können und meiner Großmutter muss erlaubt sein, sie anzusehen. Ikonische Cartoon-Figuren sind der beste Weg, das zu erreichen. Slawns Arbeit dreht sich mehr darum, wer er ist. Er steht an der Spitze seines Produkts. Mir ging es immer um „Arbeit nach vorne“. Kürzlich habe ich angefangen, mit einer Nadelkappe zu malen — der kleinsten Druckstufe, frei Hand. Es explodiert in Tropfen und Makeln. Es ist befreiend. Ich bin so weit vom Chaos und dem Wahnsinn entfernt, für den ich so lange gelebt habe, dass ich das Gefühl hatte, zu stagnieren. Ich muss weiter wachsen. Dieses Wachstum muss immer da sein. Und für mich kommt dieses Wachstum aus dem Leiden. Ich laufe 100 Meilen pro Woche, ich boxe — ich versuche, dieses Leiden in kontrollierter Weise zu finden.
Kemka Ajoku For Hypebeast
„If I don’t move my body and push myself until it hurts, my brain gets too loud. I start overthinking every brushstroke.” – Opake
Du sprichst davon, 100 Meilen pro Woche zu laufen und zu boxen. Wie übersetzt sich diese körperliche Intensität zurück ins Studio?
Es befreit von der Störung. Wenn ich meinen Körper nicht bewege und mich so lange pushe, bis es weh tut, wird mein Kopf zu laut. Ich denke bei jedem Pinselstrich zu viel nach. Wenn ich nach einem 20-Meilen-Lauf oder einem schweren Sparring ins Studio komme, bin ich körperlich müde, was mir tatsächlich hilft, intuitiver zu malen. Ich habe keine Energie mehr, Perfektionist zu sein. Ich male einfach. Es geht darum, diese Disziplin aufrechtzuerhalten. Sucht ist ein Vollzeitjob, sie füllt jede Sekunde meines Tages. Die Genesung muss auf dieselbe Weise erfolgen. Wenn ich mich im Gym oder auf der Straße nicht pushen, spüre ich die alte unruhige Energie zurückkehren, und ich muss sie irgendwo positiv kanalisieren.
Was sollen die Menschen aus der Japan-Ausstellung und dem Fotoalbum, das du zusammenstellst, mitnehmen?
Ich möchte, dass sie die Reise sehen. Nicht nur die glänzenden fertigen Bretter in der Galerie, sondern den Schweiß, das Reisen, die Auseinandersetzungen, die Niederlagen. Es soll sich echt anfühlen. Skatekultur eignet sich dafür perfekt, weil sie auf Fallen und wieder Aufstehen basiert. Das war mein ganzes Leben. Wenn jemand sich meine Arbeit ansieht und nur denkt: „Oh, das ist eine coole Mickey Mouse“, ist das in Ordnung. Aber wenn sie die Wiederholung und die Tropfen sehen und den dahinterstehenden Kampf spüren, habe ich meinen Job wirklich gemacht.
Wenn du deinem jüngeren Ich oder einem angehenden Künstler einen Rat geben würdest, welcher wäre das?
Rauche kein Crack! Aber im Ernst, bleib einfach dran. Kleine Fortschritte jeden Tag. Und experimentiere. Nimm es nicht zu ernst. Sobald du anfängst, das Ganze zu ernst zu nehmen, bist du am Ende. Hab einfach Spaß. Wenn du den Prozess nicht genießt, zählt das Ergebnis nicht. Finde Menschen, die dich antreiben, so wie Slawn mich vorangebracht hat, und scheue dich nicht davor, deine eigenen Regeln zu brechen.
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