Maya Man arbeitet eng mit dem Bildschirm als Medium und Kern ihrer Praxis. Das Internet ist das Medium und die Botschaft der in New York ansässigen Künstlerin, deren Tätigkeit die seltsame Choreografie des Online-Lebens und die Algorithmen, die uns formen, enträtselt.
„Die Vorstellung, ‚ich selbst zu sein‘ war für mich immer schwer zu begreifen“, erzählt sie uns. Sprudelnd und kokett im Erscheinungsbild kritisiert Man die Forderung nach Selbstkuration und Optimierung gerade durch ihre Werkzeuge: Depop-Surfen, aspirationalen Texten, TikTok-Tänze, „Day in My Life“-Vlogs. Anstatt zu versuchen, die Lücken zwischen Darbietung und Authentizität zu schließen, schlägt sie einen Weg vor, innerhalb dieser Lücken zu leben.
Ihr Desktop, der zwar überwiegend mit Code arbeitet, nimmt nur eine bescheidene Ecke ihres sonnigen Studios in SoHo ein. Auch Heimat ihres kuratierten Projekts Heart, ist der Rest des Raums voll von Teenie-Modezeitschriften, Plüschpuppen, Influencer-Ephemera und pastellfarbene Poster algorithmisch generatorischer Bestätigungen. „Mind, body, soul…hotter,“ hängt nahe dem Eingang. Eine weitere hängt: „Be Disrespectful to One Another.“ Auf der Rückseite stehen Regale mit Pailletten-Tanzkostümen aufrecht.
Wir erwischten Man mitten in einem großen bi-küstigen Moment, mit StarBound in der SOOT in Los Angeles und StarPower, das später in diesem Monat in der New Yorker Bitforms-Galerie eröffnet wird. Beides Ausstellungen zentrieren ihr neuestes Projekt, „StarQuest“, das als ihre bislang persönlichste Arbeit beschrieben wird. Ausgehend von ihrer eigenen Erfahrung als Wettkampftänzerin und ihrer Liebe zur Reality-Show Dance Moms untersucht die Skulptur-Film-Show die vielen Weisen, wie wir Kunstfertigkeit einüben, inszenieren und Ästhetisieren.
Für diese Ausgabe unserer Besuche-Serie setzte sich Man mit Hypeart zusammen, um über digitales Mädchenwesen, die Macht des Postings und was es bedeutet, zu performen, wenn die Welt deine Bühne ist, zu sprechen.
„Wenn Menschen ‘digitale Kunst’ hören, haben sie eine einheitliche Vorstellung davon, wie das aussieht. Mein Wunsch ist, dass dies wirklich aufgeweicht und aufgebrochen wird.“
Welche Wege führten dich dazu, Künstlerin zu werden?
Als ich jünger war, machte ich eine Collage meiner Identität basierend darauf, was ich online sah. Vieles meiner heutigen Arbeit deckt jene Schichten von Selbstinszenierung auf, um zu verstehen, wie sie beeinflusst, wie Menschen ein Gefühl für Persona entwickeln.
Im College studierte ich Informatik und Medienstudien, und solange mich Mathematik interessiert hat, war ich fasziniert davon, wie ich mit Technologie interagiere, insbesondere mit sozialen Medien. Die Verbindung dieser Disziplinen war wirklich fruchtbar, aber ich begriff erst wirklich, dass ich das wirklich machen wollte, als ich nach New York zog und andere Künstlerinnen traf. Mir wurde klar, dass es in der zeitgenössischen Kunst Raum gibt, Arbeiten zu schaffen, die stark auf das Internet fokussiert sind.
Du hattest auch eine Zeit im Corporate-Tech-Bereich. Wenn nicht Kunst, welche anderen Wege hattest du im Sinn?
Nach dem Abschluss arbeitete ich als Creative Technologist am Google Creative Lab. Ich suchte Stabilität, einen Job, aber ich wollte auch Code als künstlerisches Medium erforschen. Ich war drei Jahre dort und lernte viel, doch mit der Zeit wurde mir klar, dass ich seltsamere, kritischere Projekte machen wollte, die ganz mir gehörten, also verließ ich Google, um meinen MFA zu machen.
Kannst du deine Erfahrung bei der Ausstellung Zero 10 auf der Art Basel Miami beschreiben?
„Wenn Menschen ‘digitale Kunst’ hören, haben sie eine einheitliche Vorstellung davon, wie das aussieht. Mein Wunsch ist, dass dies wirklich aufgeweicht und aufgebrochen wird.“ Zero 10 führte neue Leute zu dem, was in dieser Szene passiert, auf wirklich aufregende Weise ein.
Es gibt etwas Unersetzliches daran, sich physisch zu versammeln, um über Kunst zu sprechen. Es wird viel aufregende Arbeit geschaffen, aber sie wird nicht gezeigt, weil eine Galerie zum Beispiel nicht weiß, wie man sie präsentieren und verkaufen soll. Ich hoffe, dies war ein erster Aufbruch, und wir können weiterhin die Vielfalt der Praktiken zeigen, die digitale Kunst zu bieten hat.
„Das Internet ist für mich ein weiblicher Raum… Frauen und junge Mädchen waren schon immer die Besten darin, soziale Medien zu nutzen, weshalb es wichtig ist, bei der Debatte über digitale Kunst auch Geschlecht und Performance einzubeziehen.“
Wenn wir vom physischen Raum sprechen, kannst du beschreiben, wo wir sind? Was ist Heart?
Heart ist ein kuratiertes Projekt, das ich 2024 ins Leben gerufen habe. Es wuchs aus einer Reihe glücklicher Umstände: Ich wollte Künstlerinnen in meinem Umfeld sichtbar machen, die sich mit dem Internet, Software und Popkultur beschäftigen — diese drei Kategorien fassen zusammen, wofür ich mich als Künstlerin und Kuratorin interessiere. Gleichzeitig begann ich, in diesem Studio zu arbeiten, das viel größer war, als ich brauchte, und ich wollte es nutzen, um Menschen persönlich zusammenzubringen.
Das Internet ist für mich ein femininer Raum, und was Heart präsentiert, versucht wirklich, ihn darum herum zu umfassen. Frauen und junge Mädchen waren schon immer die Besten darin, soziale Medien zu nutzen, weshalb es wichtig ist, bei der Debatte über digitale Kunst auch Geschlecht und Performance mit einzubeziehen.
Du warst auch früh dabei bei Addison Rae. Sie war Gegenstand deines Stücks in Hearts erstem Sacred Screenshots‑Show.
Ich interessiere mich seit den frühen Tagen von TikTok für sie. Sie ist so geschickt darin, im Internet zu posten; darüber habe ich in meiner Performance „StarQuest“ gesprochen. Sie wurde dafür trainiert. Sie wuchs wie ich als Wettkampftänzerin auf, daher verstehe ich, was es bedeutet, als Performerinnen zu veredeln zu werden, eine breite Öffentlichkeit anzusprechen und gleichzeitig sehr feminin und süß zu sein.
Wie hilft dir deine Erfahrung als Wettkampftänzerin zu verstehen, wie wir online performen? Als Künstlerin, die mit KI arbeitet, was bedeutet es, Pixel zu „coachen“, damit sie das tun, was du willst?
„StarQuest“ war das psychologisch herausforderndste Werk, das ich je geschaffen habe. In dem Stück gibt es einen Coach, der sagt: ‚Gehst du raus und würgst du? Oder wirst du außergewöhnlich sein?‘ Es spiegelte wider, wie ich mich an dieses unmögliche Maß halte, etwas, das ich als Tänzerin verinnerlicht habe.
Ein Grund, warum ich Arbeiten mache, besonders dieses Stück, ist, dass ich das Gefühl habe, ständig auf der Bühne zu stehen und noch nie dem zu entkommen. Jetzt bin ich älter und reflektiere die Jahre, die ich online verbracht habe, und habe eine wirklich andere Beziehung zum Internet. Das Stück zu erschaffen, die Rollen vom Tänzer zum Coach zu wechseln, hat das wirklich bestätigt.
„Posting als Künstlerin war für mich so mächtig.“
Während du dich mit deiner eigenen Beziehung zur Online-Performance auseinandersetzt, neigt Instagram eher zur Professionalität. Wie hat sich dieses Verhältnis verändert, seit du begonnen hast, Arbeiten darüber zu machen?
Meine Online-Präsenz ist jetzt fast ausschließlich professionell, aber ich liebe es, eine direkte Verbindung zu meinem Publikum zu haben. Es ist etwas, das Künstlerinnen nicht immer hatten. Vor dem Internet brauchte man eine Galerie oder Institution, um seine Arbeit zu kontextualisieren, daher gefällt mir die Möglichkeit, meine Arbeiten anderen mitzuteilen. Posting als Künstlerin war für mich so mächtig.
Deine Arbeiten umfassen Websites, physische Installationen, browserbasierte Erweiterungen und KI-Videos. Wie wählst du das Format für jedes Werk?
Ich benutze in den meisten meiner Arbeiten maßgeschneiderte Software, speziell JavaScript. Ich mag das Maß an Kontrolle, das es mir gibt. Da so viel von dem, was ich tue, das Internet betrifft, spiele ich gern in diesem Bereich — dem Browser. Es hat an Popularität verloren, doch einst war die Webseitenerstellung der Hauptweg, am Internet teilzunehmen. Soziale Medien haben das Hochladen von Inhalten viel einfacher gemacht als das Codieren, aber ich pflege eine enge Beziehung zu diesen Werkzeugen, weil sie der Kern des Online-Schaffens sind.
Es gibt außerdem eine besondere, wortlose Qualität, Websites zu teilen, statt sich auf einen Algorithmus zu verlassen, der dir etwas vorschlägt.
Ich stimme zu. Du kannst meine Websites von deinem Laptop zu Hause aus ansehen, und das ist eine sehr wahre Erfahrung, meine Arbeit zu betrachten. Es ist keine Dokumentation oder eine Annäherung daran. Mit „(The Angels Wanna Wear My) Red Shoes“ auf der Art Basel hatten wir diese wunderschönen, maßgeschneiderten Displays von Layer, die dem quadratischen Format von Depop-Fotos entsprachen. Das ist etwas ganz Einzigartiges an digitaler Arbeit: Du kannst mehrere ‚wahr’ Sichtweisen darauf haben, und diese Fluidität schätze ich wirklich.
„Mit dem Internet, KI und LLMs ist die Bildsprache noisier geworden, aber Künstlerinnen können dennoch durchkommen, um etwas Konkretes zu sagen.“
Deine Videos spielen oft mit der Ungeschicktheit und Ästhetik von „Slop“. Wie interagiert dein Medium mit der Botschaft deiner Arbeit?
Ich habe viele Ängste, wie künstliche Intelligenz die Arbeit und die Arbeiterschaft allgemein beeinflussen wird, aber mir ist egal, wie „Slop“ die Bildende Kunst beeinflusst. Ein Freund von mir, Lucas, sprach in einem jüngsten Essay darüber: Jeder kann mit dem Handy Fotos machen, aber nicht jeder ist Fotograf. Ein Foto von dem Ort, an dem du dein Auto geparkt hast, ist ein Bild, aber das macht es noch lange nicht Kunst. Menschen können verrückte Videos machen, aber Kunst kann weiterhin schützend bleiben. Mit dem Internet, KI und LLMs ist die Bildsprache noisier geworden, aber Künstlerinnen können trotzdem durchkommen, um etwas Spezifisches zu sagen.
Es ist auch eine Herausforderung für Künstler, zu entschlüsseln, warum sie diese Technologien einsetzen. Für „StarQuest“ musste ich diese Fragen wirklich ausloten: Warum nutze ich KI? Ist es notwendig, die Arbeit so gut wie möglich zu machen? Weil „StarQuest“ über den Trainingsprozess und das Streben, ein Bild der Perfektion zu sein, handelt, waren KI und Reality-TV ideale Analogien, um zu erforschen, was echt und was falsch ist.
Die Szenen sind von einer bestehenden Show modelliert, aber die Charaktere existieren nicht. Als ich sie mir später wieder ansah, hatte das eine emotionale Wirkung auf mich. Es hat mich freaken lassen. Man kann über visuelle Inhalte Gefühle manipulieren. Das ist eine mächtige Position für jeden, darin zu sein.
„Man kann über visuelle Inhalte Wirkung manipulieren. Es ist eine mächtige Position, in der man sich befindet.“
Welche Personen waren für deine Praxis einflussreich?
Cory Arcangel ist ein Künstler, der es geschafft hat, alle Universen von Heart auf eine wirklich poetische und schöne Weise zu berühren. Es gibt Künstlerinnen, die nicht digital arbeiten, aber eine collageartige Sinnlichkeit in ihrer Arbeit haben: Maggie Lee, Ingrid Lu und Tess Manhattan. Und Lynn Hershman Leeson, Anne Hirsch, Molly Soda und Petra Cortright — Künstlerinnen, die über die Performance von Weiblichkeit online nachdenken.
In letzter Zeit denke ich viel über Fan-Kultur nach. Die bedingungslose, anbetende Begeisterung der Fans. Das hat mich schon immer sehr fasziniert, und es steht etwas im Widerspruch zur Denkweise der Kunstszene.
„Ich interessiere mich für diese Fluidität der Mädchenzeit, weil wir sie unser ganzes Leben lang bewahren. Niemand weiß wirklich, wer sie sind, und es gibt etwas in diesem Konzept, das dafür steht.“
Wie würdest du Online-Mädchenzeit für diejenigen beschreiben, die sie explizit noch nicht erlebt haben?
Von früh an werden Frauen darauf konditioniert, sich aus einer dritten Person Perspektive zu beobachten, und diese Erfahrung wird online völlig verstärkt und überzogen. Junge Mädchen stehen ständig vor der Bedingung der „immer eingeschaltet“-Performance. Gleichzeitig ist es jedoch schön, die Wahl zu haben, mit wem man sich identifiziert. Jeder kuratiert sein eigenes Selbstbild. Es ist kompliziert, ich habe es noch nicht herausgefunden, aber deshalb mag ich es, daran zu arbeiten.
Jugend und Weiblichkeit sind frustrierende Kategorien, über die man Arbeiten machen kann, weil die Erfahrungen junger Mädchen in der Regel vernachlässigt werden. Es ist eine Übung, dieser wichtigen Identität Gewicht zu verleihen.
Eine meiner Lieblingsbücher zu diesem Thema ist Girlhood in the Plastic Image. Heather Warren Crow macht einen wunderbaren Job darin, zu skizzieren, was sie als Mädchenzeit ansieht: eine Zeit, in der man sich in irgendeiner Weise verwandelt, im Gegensatz zur Idee der Weiblichkeit, die eher festgelegt ist. Ich interessiere mich für diese Fluidität der Mädchenzeit, weil wir sie unser ganzes Leben lang bewahren. Niemand weiß wirklich, wer er ist, und da gibt es etwas, das dieses Konzept widerspiegelt.
In deiner bisherigen Karriere hast du zu diesem Konzept viel beigetragen. Als Künstlerin – wohin siehst du dich in der Zukunft gehen?
Ich möchte an Projekten arbeiten, die sich zu Weltenbau-Projekten manifestieren können. Als jüngere Künstlerin, besonders eine, die Arbeiten im Internet macht, war ich immer sehr improvisiert und kann oft nur mit meinem eigenen Computer arbeiten.
Ich habe eine sehr intensive Angst, dass die interessantesten digitalen Kunstwerke und Künstlerinnen von heute in der größeren, oft marktgetriebenen Erzählung begraben werden. Obwohl es eine so breite Disziplin ist, gibt es nicht viel Raum dafür. Ich möchte sicherstellen, dass kluge, kritische Arbeiten über Internetkultur gut archiviert werden und weiterhin über Kanäle wie Heart gezeigt werden.
Es gibt viele Probleme mit Kultur und Kunst heute, aber genau das erfüllt mich am meisten. Wenn ständig bewegende Kunst existiert, lasse ich mich davon mitreißen, denn ansonsten, wofür sollte man leben?
Porträts von Nayquan Shuler für Hypeart. Bilder von Kunstwerken stehen dem Künstler freundlicherweise zur Verfügung.
Leonie Falkenberg