Jana Frost baut immersive, symbolische Welten durch Collage, Animation und Bühnenbild und bewegt sich dabei zwischen physischen und digitalen Räumen. Jetzt in London ansässig, nach Jahren des Umherziehens, spiegelt ihre Praxis dieses Gefühl von Bewegung und Vergänglichkeit wider. Sie studierte Freie Kunst an der Tallinn-Universität in Estland, aber ihre Ausbildung ist fortlaufend geblieben, geprägt von weiterführender Forschung zu Symbolismus, Philosophie und Psychologie, die die vielschichtigen visuellen Erzählungen in ihrer Arbeit prägen.
Ursprünglich in Keramik und Bildhauerei ausgebildet, wandte Frost sich allmählich von materialintensiven Prozessen ab, da häufige Umzüge das traditionelle Atelier schwer aufrechterhalten ließen. Collage entstand sowohl als praktische Lösung als auch als konzeptionelle Passung. Grundprinzipien der Skulptur wie Komposition, Gleichgewicht und Geschichtenerzählen übersetzten sich natürlicherweise in ausgeschnittenes Papier, Animation und schließlich lebensgroße Installationen. Für Frost existiert Collage zwischen Autorschaft und Ready-made, indem vorhandene Bilder in einer Weise neu bearbeitet werden, die widerspiegelt, wie Bedeutung in der zeitgenössischen Bildkultur ständig neu zusammengesetzt wird.
Wir haben mit Frost über ihren sich entwickelnden Arbeitsprozess, ihre Weltbaupraxis und die Projekte gesprochen, die sie derzeit entwickelt.
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Was zieht dich zur Collage über digitale und physische Formate hinweg an?
Es existiert visuell bereits so viel, und viele Künstler arbeiten mit vorhandenen Bildern, Ideen und Referenzen aus unterschiedlichen Zeiten. Collage macht diesen Prozess sichtbar. Ich fühle mich davon angezogen, wie sie zwischen dem Ready-made und der Autorschaft liegt, etwas existierendes aufnimmt und ihm eine völlig andere Bedeutung verleiht. Ich habe kein striktes Vorurteil zwischen digitaler und physischer Collage, aber im Laufe der Zeit bin ich zunehmend zur physischen Arbeit hingezogen. Digitale Räume sind überwältigend geworden, was mich dazu brachte, lebensgroße Installationen mit meinen Ausschneidearbeiten zu realisieren. Zu sehen, wie die Arbeiten im realen Raum existieren, wirkt im Gegensatz zu einer bildschirmlastigen Realität geerdend.
Wie haben Ausstellungen und Modeeditorials beeinflusst, wie deine Arbeit wahrgenommen wird?
Einige Momente ragen stärker heraus als andere. Die Auswahl durch Campari, Arbeiten zum 100-jährigen Jubiläum des Negroni zu schaffen, war professionell wichtig, besonders angesichts ihrer starken visuellen Geschichte. Auf persönlicher Ebene war es bedeutend, meine Cut-out-Animation im letzten Jahr erstmals in einem Galerierahmen zu zeigen. Dadurch konnte die Arbeit als vollständiges Kunstwerk funktionieren und Raum schaffen, damit Menschen sich engagieren, zuschauen und ins Gespräch kommen konnten.
Die Arbeit in Modeeditorials ermöglichte es, dass meine Arbeiten außerhalb der Galerie existieren. Mode fungiert als zirkulierende Bildkultur und erreicht ein Publikum, das Kunst vielleicht nicht in einem White-Cube-Setting begegnen könnte. Sets rund um meine Collagen zu bauen, führte mich auch zurück zu meinen skulpturalen Wurzeln und ließ mich dreidimensional denken sowie mit Maßstab, Textur und Materialität experimentieren.
Woran arbeitest du momentan, und wohin siehst du deine Praxis führen?
Ich entwickle derzeit eine Serie kurzer Regiearbeiten, die auf 16mm innerhalb meiner lebensgroßen Collagen gedreht werden und diese Welten in bewegte, symbolische Erzählungen ausdehnen. Außerdem arbeite ich an Cut-out-Animationen, die Collage mit analogen Liquid-Light-Show-Techniken verbinden, die ich selbst erstelle. Daneben plane ich mehrere Modekooperationen mit Blick auf 2026. Film fühlt sich wie eine natürliche Erweiterung meiner Praxis an, eher als eine Abkehr davon.
Menschen können meiner Arbeit über soziale Medien folgen, und ich befinde mich derzeit im Prozess, eine Website zu starten, die als dauerhaftes Archiv meiner Projekte dienen wird.
